Lucio Fontana, un artista al límite

Un día como hoy de 1899 nacía en Argentina un pequeño niño que crecería para convertirse en el artista por antonomasia de la tercera dimensión en la pintura, realizando en sus lienzos perforaciones, rasgaduras y escisiones precisas. Lo que a simple vista parecen sólo cortes en un lienzo, en profundidad engloba un concepto filosófico acerca de los límites de la pintura.

Rosarino e hijo de padre italiano y madre argentina, Lucio Fontana se enroló en el Ejército italiano durante la primera guerra mundial, donde fue herido y luego condecorado con medalla de plata al mérito. El resto de su vida se lo dedicó al arte, viviendo y trabajando tanto en Italia como en nuestro país.

En 1958 inició su serie de obras que marcó un antes y un después en la manera de ver una pintura, no sólo por la originalidad de presentar los lienzos cortados, sino por el concepto y la filosofía subyacente en su trabajo, previo a la aparición del arte conceptual.

Más que una destrucción, los cortes en su obra generan una propuesta constructiva: una invitación a pensar el lienzo de una manera diferente, a ver a través de la superficie material, a descubrir un espacio infinito que nos permite imaginar cualquier cosa dentro de esa oscuridad. Un misterio por revelar. Romper para crear, aquí una de las paradojas de su genialidad.

Fontana asimismo "rompió la cuarta pared", en dialecto cinematográfico. Nos evidencia el artificio (en este caso el lienzo) con el gesto de romperlo. Al estar parados frente a una de sus obras -en el Museo Nacional de Bellas Artes o en el MALBA en Buenos Aires- podemos imaginarlo en el momento que realiza esos cortes con un cuchillo, podemos sentir la fuerza que imprime para atravesar y desgarrar el lienzo, podemos imaginar la velocidad con que se movía para mantener prolijas esas hendiduras verticales tan precisas, así como las diagonales, que al no ir con la trama de la tela seguramente requirieron una destreza extra.

Pocas veces se puede imaginar tanto el proceso de una obra como al estar frente a un Fontana. Quizás sea por el hecho de que sepamos cómo cortar un lienzo con un cuchillo o cómo agujerear una tela que nos podemos colocar inmediatamente en sus zapatos al pararnos frente a una de sus obras, que rompen la capacidad ilusoria de la pintura para pasar a la realidad tangible de la escultura, ya que los agujeros no están pintados, existen en la realidad.

Fontana nos invita a una realidad aumentada casi 100 años antes de que esta exista: fusiona mediante los agujeros la realidad y la pintura. Juntos, realidad y pintura, delimitados con un marco, conforman la obra.

Resulta apasionante imaginar el momento en que atravesó por primera vez el lienzo, y la evolución de ese camino hasta convertirse en estandarte de un movimiento de vanguardia llamado "Espacialismo", que hasta tuvo su propio manifiesto.

En 1946 escribió el Manifiesto Blanco, en el que sentaría las bases del Espacialismo. El "concepto espacial" es un tema que abarcó a través de la perforación o el corte de la base utilizada, tanto lienzo como papel, desde 1949 a 1953, con obras que se llamarían obsesivamente "Concepto espacial".

En una primera etapa comenzó realizando pequeños orificios en telas texturadas que pintó de un mismo color. En una siguiente etapa, ya los orificios tomarían mayor protagonismo.

Finalmente su estética se sintetizó a la vez que se estilizó en una tercera etapa, cuando dio vida a una serie de obras monocromáticas, pintadas de manera muy prolija, con incisiones precisas y planificadas en longitud y dirección. Lo planó del color que carece de sombras, refuerza por contraste lo profundo de las hendiduras. La técnica se había perfeccionado y el mensaje llega de una manera más eficiente. Aunque más que mensaje, sería la huella de su permanente búsqueda, ya que como él sostenía, no hacía agujeros para destruir el cuadro, sino para encontrar otra cosa.

Asimismo encontramos a su trabajo filosófico. Un ensayo acerca de los límites entre pintura y escultura, límites que Fontana puso en jaque de manera sublime. Influyó en su particular visión de la pintura el hecho de que hasta sus cincuenta años trabajó sólo como escultor y ceramista.

Cuando comenzó a pintar, agregó una tercera dimensión al lienzo, como si de una escultura se tratase. Realizó cortes en la tela que al jugar con la luz ganaba volumen, luces y sombras, formas cóncavas y convexas. ¿Son pinturas o esculturas? ¿Son ambas? Ni lo uno ni lo otro, Fontana diría que es un arte para la era espacial.

Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo, entre ellos el Guggenheim de Bilbao, el Museo Metropolitano de Nueva York o la Galería Tate de Londres. Gracias a su trabajo conceptual, futuros artistas lo tomaron como faro para desarrollar el manifiesto de lo que sería el Intraespacialismo.

En los últimos años de su vida, Fontana se traslada a Comabbio, localidad italiana de la cual era originaria su familia, donde fallece el 7 de septiembre de 1968 a los 69 años.

Por Sonsoles Romero Noya

Especial para época