Teresa Parodi: "La música es un hecho vivo"
- En su extensa carrera logró marcar una impronta que, para ciertos puristas, podría considerarse una falta de respeto. Teresa optó por demostrar lo opuesto: sonidos nuevos, letras dedicadas al amor en su aspecto más genuino, el amor cotidiano, el del trabajador que día a día sostiene su realidad con alegrías y penas a cuestas, el de quienes luchan por el bien común. Un amor que puede ser todo menos mezquino, y sí empático, compañero, vivo como la música. Sin estructuras rígidas, como lo plasman sus melodías que, lejos de querer apropiarse de un espacio, han buscado desde el respeto generar aportes que nutran y hagan de la experiencia cultural una vorágine en el que cada uno es actor y espectador, con sus raíces, sus historias, su pasado, sus anhelos, en fin, con su sentir. La resistencia, entendida como de la búsqueda de aquello que merece conocer la luz del sol pese a que no encaja en los parámetros preestablecidos, ha sido un sello de Teresa. Pasando por el hecho de ser una joven en un ambiente que, por aquel entonces, tenía como premisa la marcada presencia masculina como número principal y digno del interés del público, un Estado que perseguía y castigaba los ideales en pos de las luchas sociales, hasta modificar las maneras de crear, producir, brindar y hacer llegar a la gente un espectáculo, Teresa ha conseguido hacer de su material una radiografía de las voces populares.
¿Cuáles son los primeros recuerdos que tiene de haber elegido la música? De niña... por supuesto que, como todos, la música es un lenguaje sensible, de gran emotividad, que a todos nos roza en la vida. A mi me sucedió que tuve un vínculo con la música como muy fuerte, muy definido. Descubrí en mi la necesidad desde muy pequeña de expresarme así, que enseguida sentí que ese era el camino que había elegido con mucha convicción: primero, hacer música, luego la necesidad más clara, a medida que crecía, de escribir canciones, historias que me impactaran, y dejar plasmado una manera de ser, de vivir, de mirar al mundo como tenemos en nuestra región.
Usted dijo que no es chamamecera sino que hace chamamé Hago chamamé y creo que en un porcentaje muy alto es mi trabajo compositivo, pero no es absolutamente lo único que hago. Elijo componer música en general, he llegado a hacer estudios para guitarra incluso. Compongo música pero el Chamamé tiene un lugar central, y por eso aclaro que yo hago chamamé, no soy chamamecera. El chamamecero vive, sueña, piensa el mundo solamente desde el chamamé, cosa que respeto y admiro profundamente. Yo misma permanentemente estoy escuchando, consultando la fuente, que es la gran música de Corrientes para el chamamecero.
¿Cómo ve el trabajo que llevan adelante los referentes que se encuentran fuera del país? Los referentes argentinos que salen del país y llevan nuestra música de raíz folclórica de las distintas regiones son recibidos maravillosamente. Gozamos de una gran originalidad y diversidad musical. Las Hermanas Vera, que tuvieron hace poco una gira exitosísima por Europa, y antes de eso el trabajo increíble de Raúl Barboza y "Rudi" y "Nini" Flores, estos hermanos que han llenado de belleza nuestra música. Nunca podremos terminar de acostumbrarnos a la ausencia de "Nini". Toda esa embajada de músicos de Corrientes que han salido y han andado por el mundo, ha sido recibida como se merece, porque la belleza es lo que la hace trascendental, Ramona Galarza, otro ejemplo, nos deja muy bien representados.
¿A qué se debe esa originalidad? Es el resultado de la mezcla cultural que existe en nuestra región. Aquí, después de 500 años, se fusionaron distintos modos expresivos, grupos, algunos originarios y otros que vinieron. Los guaraníes marcaron profundamente la huella del chamamé, pero también están la inmigración europea y la africana pese a que es la menos reconocida, existe y está; menos conocida porque desapareció del territorio argentino. Acá tuvimos una población negra muy fuerte en el Cambá Cuá, y creo que es una cultura poderosísima la de la música africana, que atraviesa todo el continente, igual que la música española y la de los pueblos originarios. En algunas partes se mezcla con música alemana, rusa. Esas fusiones se fueron haciendo naturalmente, el pueblo las hizo así y resultaron estas mezclas maravillosas. Se mezclaron en una olla un montón de ingredientes extraordinarios, con mucha riqueza en sí mismos que cuando se juntan producen aún más belleza. Eso ha pasado con el chamamé. El chamamé es una respuesta latinoamericana a esta fusión de comunidades y culturas.
Un artista, en su papel de músico, ¿es consciente de que pone en juego todo eso? Uno se da cuenta cuando ha escuchado música en general y se ha formado, en el oficio, en el conocimiento; te das cuenta de los trazos de toda esa cultura y está muy acendrado en la música chamamecera y de todas las regiones. Es imposible no darse cuenta, es hermoso ese resultado. Uno es consciente de eso y de la parte que le toca. Porque cada generación ha hecho su aporte y lo ha desarrollado y ha profundizado una que otra vertiente de la cultura del chamamé en su búsqueda del presente chamamecero, del "lo que tengo para decir" a partir del tiempo y la parte que me toca. A partir de ahí, quizás no se den cuenta o no nos demos cuenta, pero con el tiempo se verá el aporte de cada uno. La música es un hecho vivo, no puede ser idéntica en sí misma. Si fuera idéntica terminaría siendo una pieza de museo. La música acompaña a la vida del pueblo, está llena de lo que el pueblo va viviendo, incorporando en su vida cotidiana. Entonces, si analizas la música desde lejos, extrayéndote, siguiendo las distintas generaciones, te das cuenta del aporte que hizo cada una. Y eso no va a terminar nunca y es lo maravilloso.
¿La gente acepta lo nuevo? Nosotros quizás no nos dimos cuenta, pero teníamos tanta convicción de mostrar un cancionero nuevo, de decir "esta música es nuestra..." teníamos tantas ganas y era tan convincente que creo que fue lo que logró convocar a la gente, que año a año esperaba un festival para escuchar un repertorio nuevo. Fue absolutamente insólito eso, era revolucionario.
La gente quiere escuchar lo que conoce, lo que ya sabe. Va a pedir esas canciones porque se siente identificado, porque se emociona cuando las oye. A veces eso es un hecho natural pero cuando vos los convocás para escuchar un repertorio nuevo, canciones que están por nacer ahí, que las van a oír por primera vez, y la gente viene como con la avidez con la que venía nuestro público, que nos seguía, porque en esa época se hacía como un concurso, después se llegaba a una final y quedaban los temas que iban al disco. Eso era un proceso genial. En ese sentido, de esa manera aparecieron los grandes, Mario Bofill, Los de Imaguaré, "Cacho" (González Vedoya) y "Pocho" (Roch), Antonio (Tarragó Ros), yo misma, el padre (Julián) Zini. A "Zitto" Segovia es importante mencionarle porque fue la gran puerta abierta que nos dio mucho vuelo.
¿Cómo lo sentían ustedes? Ese gran motor, ese juntarnos, fue para nosotros tan movilizador, tenía tanta energía que todos estábamos esperando el momento, todo el año trabajábamos para que ese motor, en una presentación, se ponga en marcha. Y lo seguíamos asentando y cuidándolo para que cuando llegara el momento, funcionara a la perfección. El otro día me acordaba que Mario (Boffil) tiene mi edad, Mario Bofill y en esa época, cuando recién empezábamos, era el único varón que no estaba casado, y lo agarrábamos como pegador de afiches. Era "andá Mario", con un calor a la siesta pero era así, hacíamos todo nosotros. Era una cosa artesanal pero increíble, cada vez que hicimos un Vera estaba repleto. Lo mismo con otras presentaciones en lo que era el Cine Corrientes, también repleto. Era algo extraordinario.
En una entrevista, usted señaló que su consagración en Cosquín llegó en un momento en que Argentina necesitaba oírse a sí misma. ¿Qué significó eso específicamente? La dictadura. Veníamos de la dictadura, había un silencio aterrador, muchas sombras. Con la democracia se abrió una compuerta y salió el pueblo a las calles, salió la vida, salimos todos a abrazarnos a reconocernos. Necesitábamos hablar, necesitábamos cantar, decir tantas cosas. Yo gané Cosquín en enero de 1984 y el 10 de diciembre del 83’ ganó Alfonsín y mis hijos me animaron, me dijeron: "Mamá cantá tus canciones, cantá tus canciones". Yo trato de escribir sobre la vida diaria, sobre las situaciones que pasan, los dolores, las alegrías, las esperanzas, los miedos, las broncas, la frustración, porque soy participe. Las percibo, las vivo como todos y las hago parar en mis canciones. Es el trabajo de un cantor que narra sobre la realidad, que da testimonio. A mi me gusta decir, sin embargo, que son canciones de amor. Otra forma de amor, el amor al otro, la preocupación por el otro. Mi abuela que era muy sabia siempre me enseñó a preocuparme por el otro y quizás yo no pueda hacer muchas cosas, pero puedo contar sus historias. Para que sigan demostrando el interés que a veces no se ve.
Usted es una referente de lo femenino. La Ley de Cupo, ¿qué sensación le deja? Yo creo que la lucha de las mujeres y lo que han logrado es producto de esa lucha muchísimo más larga que empezó hace siglos. En cada etapa de la humanidad, las mujeres han sido las que han ido sentando bases cada vez con más claridad en defensa de sus derechos. Creo que este último tiempo las mujeres han revolucionado el mundo. Pienso que el movimiento más revolucionario del mundo hoy es el feminismo. Creo que las mujeres, conscientes de que la lucha es colectiva, lo cual es un dato muy importante, saben que luchando juntas es cuando se logran los objetivos. En mi época, una miraba a una mujer en el escenario y pensaba: "Si ella pudo hacerlo, entonces capaz yo también pueda". Mi caso, por ejemplo, madre de cinco hijos, del interior, que hice música que durante muchísimo tiempo fue considerada marginal, pero así y todo logré trabajo. Por mi trabajo tuve que aguantar una lucha cuerpo a cuerpo con la realidad. Hoy las mujeres se juntan y producen hechos colectivos extraordinarios, lo que las coloca en un lugar completamente distinto donde de igual a igual pueden discutir. La Ley de Cupo en un tiempo más no va a ser necesaria, pero hoy lo es, porque forma parte como un escalón más de la lucha.
En los 90’ dijo también que se estaba alejando de los escenarios grandes, ¿a qué se debió eso? Sentí que los estaban bastardeando. Bastardeando mucho. Era demasiado pasatista y ligera la música que se compartía. Cuando gané Cosquín, una noche antes tocó Atahualpa Yupanqui y la plaza parecía un teatro. Era un silencio respetuoso ante un hombre sólo con una guitarra en el medio de un inmenso escenario. Era tan gigante, que estábamos todos paralizados escuchando su canto y su arte, sintiéndonos identificados con su ello. Eso fue desapareciendo, se convirtió en palmas y aplausos y aquel que no mide en el aplausómetro, sólo pasa. Eso es algo que no me gustaba, un tema personal y que me reprochaba Mercedes Sosa porque me decía que el lugar que yo dejaba, ese vacío iba a ocuparlo otro, que nada tenía que ver con nuestra música y me terminó convenciendo y volví a los festivales. Ahora, en cambio canto dónde quiero, cuándo quiero y con quién quiero, creo que ya estoy a una altura de la vida en el que puedo hacer eso. Ahora quiero disfrutar del canto y seguir teniendo la sensación de que puedo seguir aprendiendo.
¿Qué le diría a aquellos artistas que quieren hoy dedicarse a la música pero se topan con personajes que no toleran las combinaciones de sonidos y las innovaciones sobre los escenarios? Creo que la música se hace como se siente. Un día en la quebrada de Humahuaca en la casa de un lugareño, Jaime Torres me dice: "Te quiero hacer un regalo Teresa", agarró su charango y tocó Villanueva. No me voy a olvidar nunca. Creo que ese chamamé nunca sonó más chamamé que en ese charango porque la expresividad del artista, la belleza, el arte aparecía, fluía y no podías evitar no emocionarte con un chamamé en un charango. El instrumento es un instrumento, el artista es el que le da sentido a la música. No importa con qué instrumento toques, si está en tu corazón esa música va a sonar como debe sonar.
¿Qué enseñanzas le dejan las vivencias que atravesó hasta hoy? Siempre tenemos algo para aprender, creo que el día en que ya no tenga nada para aprender, entonces no haré más nada. Debo agradecer el estar aquí y ahora. Acá, mi punto de partida, al que siempre me gusta regresar. Pese a que fue muy difícil creer que iba a poder ejercer la música como profesión, finalmente pude hacerlo. He aprendido muchas cosas de los demás, desde que me fui al monte misionero a enseñar, con mis 19 años, y yo creyendo que me fui a enseñar cuando en realidad me fui a aprender. Esa fue la primera gran lección de mi vida. Cada vez que me junté con los músicos a pensar las músicas que íbamos a hacer, componer en solitario o compartir un escenario, donde había honestidad e interés por lo que hace el otro, sin competencia. La competencia nunca me atrajo, nunca me sedujo, siempre busqué poder compartir con sinceridad, con emoción lo que me gusta, con admiración por el otro. Siempre estoy dispuesta a compartir escenario, hacer duplas, con la gente que quiera venir, porque en ese intercambio aprendo. Me interesa el saber que puedo, desde mi lugar, proveer de las herramientas para que se desarrolle, para promover la influencia cultural. Cultura es todo, las artes son las formas que el pueblo tiene para decir quién es.